WAITING FOR...THE SAINTS: CONCIERTO EN ALGECIRAS (22/04/2015)

Años, décadas, idolatrando a los australianos The Saints. Sin pillarlos en sus pocas visitas a nuestro país y, una semana antes, me entero con sorpresa de que darán un concierto a poco menos de diez minutos de donde, por razones laborales, me encuentro viviendo este año. The Saints entran en mi vida a través del estreno de su disco del 86 “All Fools Day”, un disco estupendo de rock que tiene himnos como “Just Like Fire Would” o “Some Thing Never Change”. Había que bucear en ese rock vital, en ocasiones barrocos en los que su peculiar vocalista, Chris Baley, saltaba con facilidad a espacios más melódicos o dignos del mejor power-pop. Mi sorpresa fue monumental cuando me entero que estaba considerada una de las bandas pioneras del punk, y podríamos hablar de un tridente definitivo junto a Sex Pistols y Ramones. El caso es que cuando me agencio su disco debut “I’m Stranded”, no puedo hacer otra cosa que pellizcarme, una obra monumental a todos los niveles; es punk pero con un sello diferente, definido por la carismática voz de Bailey y la cruda y excelente guitarra de Ed Kuepper . El tema que da nombre a este disco del 77 debería convertirse en un tema obligada escucha si alguna vez queremos entender la historia de la música popular y el desarrollo del resto del disco es inmenso, mi favorita, entonces y ahora, “Messin’ With The Kid”. En la edición remasterizada del 2007 aparecen temas recogidos en sigles y EPs, entre ellas “This Perfect Day”, otra bomba, y la vuelta del revés de “River Deep Mountain High” de Phil Spector. En recientes entrevistas concedidas por Chris Bailey, éste afirma no haber escuchado en ningún momento a los Ramones o a los Sex Pistols, que además desconocía movimientos antecedentes claros del punk como el que protagonizaban bandas como The Stooges o MC5 en Detroit. Cuesta creerlo, y si eso es así, estos tipos fueron unos putos genios. ¿Qué pasó en sus dos siguientes discos? Que lo bordaron. 

“Eternally Yours” y “Prehistoric Sounds” dan un salto cualitativo y nos sorprende, aunque con la base cruda y dura del punk, todo queda engrandecido con unos arreglos añadidos de vientos y guitarras acústicas que nos muestran unos Saints ambiciosos desligados de crestas y nihilismo, creciendo en un panorama que apuntaba hacía el dominio absoluto de la new wave. En verdad os digo que esta bandas se acerca más a los sonidos de la Tamla Motown que de los garitos sucios de Birmingham, el mismo Chris Bailey siempre dijo estar más identificado, al menos en el concepto, con Otis Redding que con Iggy Pop. La evolución del grupo siempre ha avanzado con una dignidad absoluta dejando una cosecha estupenda en los ochentas (con la deserción de Kuepper que montaría una banda llamada de The Aints con la hace sus propias versiones del repertorio antiguo de la banda) como el nombrado “All Fools Day” o “Monkey Puzzle”. De ahí hasta llegar a ese magnífico disco del 2014” King Of The Sun”, donde recupera lo mejor de las cualidades creativas de un Bailey en racha que además añade un disco más en una reciente edición, con los mismos temas pero grabados en directo en el estudio sin arreglos adicionales. Y por fin, el círculo se empieza a

completar y me encuentro casi quince años después con unos Saints convertidos en un power trío, defendiendo su disco actual y lo mejor de su repertorio clásico en una sala con un público escaso, entrada gratuita y obligado a ocupar asiento. El propio Bailey ironiza: “Me siento como si fuera un profesor y ustedes mis alumnos…sólo aprenderían cosas malas de mí”. El nivel de cohesión del grupo es estupenda, con músicos que repiten en gira y que han participado en las últimas grabaciones, Chris se encarga del bajo y voz con gran solvencia, te das cuenta de que estás delante de un grande, al nivel de otros líderes como clásicos como Marriot, Daltrey, Wayne Kramer, Pop, Lydon. Empiezan a caer temas de su último disco , tres seguidos; King Of The Sun, Sweet Chariot yA Million Miles Away. A partir de ahí empieza un inmenso repaso a temas esenciales de su discografía:Waiting For God , This Perfect Day, Let’s Pretend, Something somewhere sometime, Just Like Fire Would, Know Your Product, Ghost Ships,  (I’m) Stranded…Unos setenta minutos de concierto que dejaron un sabor de boca estupendo y suficiente para que, los pocos que estuvimos, quedáramos bendecidos por la eternidad.

THIS IS THE SONICS (2015)

Lamenté el tiempo que había perdido sin escuchar The Sonics, sólo hace una década que descubrí lo grande que eran estos chicos de Tacoma. De hecho conocía sus temas por otros grupos como The Withe Stripes, Fuzztones, Black Keys...pero nunca había recibido la descarga brutal con la quedé sin aliento al meterme entre pecho y espalda su "Here Are The Sonics" del 65 y su "Boom" del 66, artefactos sonoros que te cambian la vida cuando descubres que esta banda podía dejar a grupos vecinos como The Byrds o Beach Boys a la altura de un coro de monjas. Ponle todo las etiquetas del mundo: rock primitivo, garage, proto-punk...todas son válidas, pero la experiencia del recopilatorio "Jerden Years" habla por sí mismo de la valía de uno de los mejores grupos de rock de la historia. Las dudas me asaltaron cuando, tras su vuelta a la carretera desde hace año, anuncian nuevo disco para finales de marzo de 2015. Algunas grabaciones (como aquella que compartieron con Mudhoney, herederos directos de nuestros chicos sónicos) no prometían estar al nivel de sus años de gloria; una banda diezmada a tres de sus componentes originales (Gerry Roslie, vocal y teclas; Larry Parypa, guitarras; Rob Lind, coros, saxo y armónica) y unas producciones que los acercaban más a Black Sabbath que a ese sonido de unos clones de Little Richard asalvajdos restaba en su música. No podía estar más equivocado, voy por la tercer escucha seguida su bomba para 2015, "This Is The Sonics" y no doy crédito. ¡Discazo! Rock and Roll, garage brutal, temas redondos; con esa parte negra más salvaje del soul y del blues que los marcaron por encima de cualquier grupo de su época...y de ésta; porque después de esto, creo que esos jovenzuelos llamados The Strypes van a tener que colgar sus botas. Han sabido separarse de ese precipicio que es la posibilidad de ser un grupo más de hard rock del siglo veintiuno, para nada, mantienen sus credenciales en el sonido sencillo y directo del rock más clásico. La clave: la producción del muy muy grande Jim Diamond (The Fleshtones, The Mooney Suzuki, Dirtbombs, White Stripes...), un sabio de Detroit que conoce el negocio y como dar ese toque de autenticidad a los discos de rock contemporáneos. Ahí están las credenciales del grupo desde el inicio, "I Don't need no doctor" es un rock and roll que tras el riff inicial acaba montándose a lomos de un killer piano sublime, garganta prodigiosa, coros, panderetas y...como no, el prodigioso saxofón de Rob Lind. El disco sigue y sigue en la misma línea, el tema "Be a woman" es un brutal desarrollo garagero con desgañite final, una de las bombas del disco. Ya teníamos conocimiento del "Bad Betty", como adelanto del disco, y ese prodigioso duelo de hammond y saxo. "You Can't Judge A Book By The Cover" puede ser el tema más versioneado en los últimos años de los maravillosos años de Chess Records, esta versión sienta cátedra. The Hard Way, la brutal Sugaree, el solo brutal de armónica en Leavin Here y todos los demás conforman un colección del mejor rock clásico que se haya escuchado en lo que llevamos de año. Tanto que me ha venido a la memoria un disco que puede ser primo hermano, esa joya firmada por Daltrey-Wilco Johnson del 2014. Sí, y hay temas por los que daría un ojo Iggy Pop, por ejemplo ese "I Got Your Number". Así hasta "Spend The Night" y vuelta a empezar; adictivo y directo a lo mejor del año. Y ahora, estos son los Sonics del 2015...

BACK TO BLACK: DYKE & THE BLAZERS, WE GOT MORE SOUL

El nivel de clásico en un artista tiene su confirmación con el paso del tiempo. El peso de grupos como Beatles, Stones, Dylan, Byrds es patente en la mayoría de los grupos que alcanzan éxito en la actualidad. Pero es indudable que sentimos una emoción especial cuando volvemos a estos clásicos, sus discos no envejecen, conservan la emoción y un sonido sorprendente teniendo en cuenta que no existían los medios digitales actuales. Dyke & The Blazers son clásicos. Y hablamos de funky soul. Ahí estaban James Brown & The Famous Flames que de manera incontestable habían firmados ya himnos funkies en el 63, pero la corta carrera de Arlester Christian (alias Dyke) y sus Blazers deja un legado increíble, con un sonido que mantiene como nadie ese groove con el sincopado ritmo de guitarra y swing repetitivo con el que el padrino del soul había roto todos los esquemas del rythm blues tradicional y que respondía con agresividad a un mundo hostil para la comunidad negra. ¿Qué tienen estos D. & The Blazers? Tienen una base rítmica que deja en mantilla a cualquier banda de la época. Lejos de la barroca puesta en escena de Brown con predominio de los metales, Dyke le daba más protagonismo a la batería y al bajo y a una omnipresente guitarra con un marcado acento bluesero que la emparentaban más con una banda de rock. La voz de Arlester, en un registro más bajo que la de Brown, ayuda a mantener ese groove. Era un cantante cojonudo, no necesitaba gritar o hacer alardes para engancharte; su temprana muerte (le pegaron un tiro por el 71 en una pelea por temas de drogas) nos privó de lo que podría haber sido un carrerón y un grupo que podría haber supuesto una nueva arista en el mundo de la música negra. Su breve discografía es recogida en esta necesario e imprescindible obra maestra, We Got More Soul!!!

POPS STAPLES: "DON'T LOSE THIS" (2015)

Pops siempre te cantaba al oído con su destartalada guitarra; la tocaba con tal delicadeza que pareceía un arpa celestial. Con material inédito grabado a finales del siglo pasado  y reciclado por el reciente apadrinado de los Staples, Jeff Tweddy, que ha sabido actualizar el sonido y darle un aire más que creíble. Jeff Aporta el bajo y su hijo Spencer -un adolescente-, la batería. Este disco, junto a los magníficos "Father, Father" y "Peace to the Neighborhood" conforman su breve carrera en solitario tras la disolución de ese coro divino que fueron los Staples Singers, con toda una discografía más que imprescindible y a mayor gloria de su hija predilecta, Mavis Staples, que acaba teniendo su merecido protagonismo en el disco. Me engancha de todas todas ese gospel blusero que aprendió en las plantaciones de algodón de Winona, Mississippi, donde compartió, siendo adolescente, más de una jam con Charlie Patton o Son House. Los temas más desnudos de instrumentos como "Nobody's Fault but Mine" son excepcionales; ahí mantiene la emoción como pocos bluesmen en la actualidad lo consiguen. Somebody was Watching y The Lady's Letter son dos ejemplos de porque en  STAX se volvieron locos con la familia Staples. Ni que decir que de principio a fin su heredera más aventajada mantiene el tipo en toda la grabación con momentos justos de protagonismo; ahí está el bello "Better Home" cantado a dúo. Bonito final con el himno cristiano de Dylan, "Gotta Get Somebody". Una maravilla de disco póstumo; trémolos y acordes abiertos para tiempos de poca fe. 

STEVE EARLE + THE DUKES: TERRAPLANE (2015)

¡Ojo! Esto huele a discazo. El 17 de febrero Steve Earle estrena su nuevo disco en estudio, "Terraplane". Son 11 temas producidos por R. S. Field, productor de gente como Buddy Guy o John Mayall, y eso se nota un montón. Suena a blues y rock que alimenta. De hecho, el título podría estar inspirado en un viejo blues del gran Robert Johnson, "Terraplane Blues" (1936). Tarraplane era un modelo de coche y el viejo bluesman nos contaba su desesperación porque sospechaba que su chica dejaba "coger" el coche a otro tipo cuando él no estaba. Vamos, que hay temas que me suenan a Howlin' Wolf y a ese boogie-rock del exilio de los Stones. No sé como caerá a sus fans más comprometidos, ya que se ve de sobra un disco menos político. Para mí no tiene más que demostrar, íntegro de pies a cabeza y con varios discos a sus espaldas dentro de su discografía que alcanzan el nivel de obra maestra. Hablaremos de él, seguro.

CHENCHO FERNÁNDEZ: LA NUEVA JOYA DEL ROCK SEVILLANO

El rock en Sevilla es tan escaso como un día de lluvía, pero por momentos, como ésta, puede alcanzar cotas de auténtica maravilla. Rock y Sevilla parecen dos términos antagónicos, contrarios y enfrentados. Es posible que parte de eso tengo que ver con el paisaje desolado de salas cerradas que proliferan en la ciudad. Los grupos de calidad nacen al mismo tiempo que mueren y alcanzan la etiqueta de malditos en un santiamén. Así los Sick Buzos, abanderados del rock indie andaluz (nuestros Velvet sevillanos), hicieron su aterrizaje fugaz a finales de los 90 y...vistos y no vistos. No cesar en el intento da sus frutos y esto lo aplicó sabiamente el lider del desaparecido grupo, Chencho Fernández, y tras su debut (no publicado oficialmente) “Nuevo Debut” y su participación en Las Muñecas de la Calle Feria; nos llega con un magnífico disco, “Dadá Estuvo Aquí”. Los estudios Sputniks, con Jordi Gil, están dando la posibilidad de que todo lo que tiene calidad en Sevilla suene mejor que mejor y esta grabación va a ser la joya de la corona. Los diez temas, subrayados en ocasiones por arreglos de cuerda recuerdan a lo mejor de la historia del rock nacional. Suenan a rock de los ochenta pero con un lenguaje real y moderno tanto en la forma como en el fondo. Las inmensas letras de Chencho son potenciadas por una producción excelente de guitarras y dosis justas de silencios que contienen la rabia, el descontento y el hartazgo de un juventud anciana en fase de hundimiento. Si te enamoras en y de Sevilla, entiendes esos guiños a rincones como Fun Club, Alameda de Hércules, Salvador y, por siempre, la Estación del Prado (inmenso inicio del disco). Y por supuesto; Lou Reed always in my mind.   

ROBERT CRUMB: PORTADAS QUE SUENAN POR SI MISMAS

No se ha dado en muchas ocasiones la mano con la música, será porque el silencio distingue al noveno arte, al arte del comic. Y sin embargo mis primeros recuerdos de contacto con una forma de expresión, de emociones y arte, fue el comic, los tebeos, vamos. Y creo que ese es mi puente con otras formas como el cine, la música y, claro, la literatura. Hoy se conocen más los comics por su adaptación al cine que por la lectura de los mismos y me sorprende la marginación a la que se le somete; hay muchas personas que, siendo ávidos lectores de literatura, no han leído jamás un comic. Craso error.

Si en algún apartado ha podido manifestarse el noble arte del comic en la música, ha sido en la ilustración de portadas. Y si me quedo con un grande que se acerca de manera magistral a esto es el gran Robert Crumb. Crumb es el buque insignia del comic alternativo y underground. Un tipo fascinante, huraño y esquivo con la vida, que dio la espalda a la industria y se mantuvo en un plano casi marginal y prácticamente olvidado en los últimos años.

Si no conoces sus obras os recomiendo absolutamente todo lo que ha dibujado y ha escrito; sus dibujos tienen un dinamismo, un volumen y desarrollo lejos de lo vista antes e imitado hasta la saciedad posteriormente. La vida más ordinaria se convierte en tema para sus historietas, y por vulgar y cercano se convierte en algo fascinante. Siempre con una ironía y un pesimismo vital que cobra sus mayores cotas cuando se unió a otro "rarito"; el genial guionista Harvey Pekar, azote del ideal americano.

Su vínculo musical está determinado por los sonidos que le resultan más atractivos; incluso, se dice, que llegó a negarse a hacerle una portada a los Rolling Stones. Es así que llevado por una compulsiva actitud como coleccionista de discos de jazz y blues de principio de siglo, prefiera ilustrar discos de esta tesitura que de aquellos que con los que supuestamente más cercano estaría por su coincidencia en el tiempo y en la moda, es decir rehúso a ilustrar discos de rock o pop en los años 60-70 y se dedicó ha hacerlo sólo de viejas reediciones o combos que revitalizaban sonidos de los años 20-30.

Demos un pequeño repaso a lo más lustroso:

1968 Cheap Thrills. No te cuento más ¿acaso hay alguien que no haya tenido un ejemplar de este disco en las manos? ¿Y acaso no te has pasado horas y horas dándole vueltas a su portada e ilustraciones mientras te pone los pelos de punta los berridos de la Joplin? Pues sí, éstas eran de Robert Crumb y hasta aquí su participación en lo más granado de la realeza del rock/pop. Y porque a él le dio la gana.

1995 Roots of the Grateful Dead The Music Never Stopped. Se prodigó mucho en recopilaciones raras y casi imposible de conseguir hoy en día. Ésta es bastante curiosa y destacable por la presencia de su mismísima deidad, Bob Dylan.

1974 Big John Wrencher and His Maxwell Street Blues Boys Maxwell Street Alley Blue. Sellos raros y artistas casi exclusivos de minorías. Destaco este especialmente, es un disco que descubrí hace unos años y para mí una obra maestra indiscutible del blues de Chicago. El mejor disco de este armonicista y cantante que aquí se presenta en un formato original de batería, guitarra y armonica-voz que conserva una fiereza que no se estilaba en aquellos años.

1976 R. Crumb and his Cheap Suit Serenaders No. 2 (aka Chasin' Rainbows). No soprende que siendo un obsesivo coleccionista de discos y con unos conocimientos privilegiados , llegará a formar su propia banda tocando el banjo. A lo Woody Allen pero sin grandes alardes y mucho menos egocentrismo.

1978 Blind Boy Fuller Truckin' my Blues Away. Famosas son sus ilustraciones para tarjetas, donde recuperó a pioneros del blues y jazz. De hecho estas imágenes son tan famosas como sus propias fotos; durante mucho tiempo esta fue su menera de ganarse la vida. En este caso tenemos una serie de recopilaciones que ilustró con grandes dinosaurios del blues de preguerra.

2000 Trésors Illustrés des Musiques Populaires du XXe siècle. Muchos de estos trabajos los acabó editando en Europa, especialmente en Francia, donde casi se exilia huyendo de la política y moral americana con el que fue tan crítico siempre en sus viñetas y sufrió en sus propias carnes.

2011 Eden & John's East River String Band Be Kind to a Man When He's Down. Es quizás lo más reciente que ha hecho. Pero escuchando este disco se entiende. Vintage total, un dúo joven pero que suena perfecto para ambientar un aserradero de Kentucky o una fábrica clandestina de Bourbon. En los vídeos colabora en viejo dibujante. Y como podéis ver, sus elecciones como ilustrador no tiene nada que ver con lo comercial o vendible.

Son algunas muestras del arte del genial e introvertido Crumb. Para que te acerques a su obra, te recomiendo su divertida “Melodías Animadas”, donde descubres pasajes costumbristas e hilarantes de viejos bluesman, sus trapicheos y vergonzantes viñetas dedicadas a su enfermiza obsesión como coleccionista insaciable de discos, ¿te suena?.